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중부 유럽에서 가장 큰 규모의 빈 현대미술관, 무목 1편

MUMOK(MUseum MOderner Kunst Stiftung Ludwig Wien)

작가 김지은 조회수 357 추천수 0 등록일 2018-01-09

지역 : 오스트리아 > 빈



 

MUMOK(MUseum MOderner Kunst Stiftung Ludwig Wien)은 오스트리아 빈 현대미술관으로 18세기 초 빈 분리파의 주도 아래 건립되었고 

2001년 9월 Museum Quartier(박물관 지구)로 옮겨왔다.

현대 미술의 이미지와 제대로 어울리는 모던한 건물로 재오픈하여 이제서야 진정한 현대미술관으로 자리매김하고 있다.

오늘날 이곳은 MUMOK이라고 일컬어진다.

현대 미술을 위한 중부 유럽의 미술관 중에서는 가장 큰 규모를 자랑하는 MUMOK은 어두운 회색의 현무암 석재를 사용해 입방체 구조로 지어진 

건축물의 육중함과 미니멀리즘을 극대화시킨 모습이 깊은 인상을 준다.

 

사실주의, 초현실주의, 기하학적 추상, 팝아트, 현실주의적 사진 작품, 행위예술 등 거의 현대 미술의 모든 분야의 작품이 두루 전시되어 있다.

뿐만 아니라 현대미술관의 특별전은 매번 손꼽아 기다리는 마니아층이 형성되어 있을 정도로 컬렉션의 수준도 훌륭하다.

 

미술관은 그 나라의 문화 수준을 보여주는 척도라고 한다.

오스트리아의 미술관을 둘러보면서 중세부터 현대에 이르기까지 멈추지 않는 문화적 연속성과 

끊임없이 발전하고 성장하는 그들의 문화적 저력에 놀라움과 함께 부러움을 감출 수가 없다.

 

현대미술관답게 미술관 내부 역시 상당히 모던한 인테리어를 자랑한다.

미술관의 전층에서 다양한 전시가 진행중이고 1층에서는 Watching Sugar Dissolve in a Glass of Water라는 제목의 미술관 영구 컬렉션을 감상할 수 있다.

 

아티스트 Martin Beck의 큐레이팅으로 기획, 구성된 Watching Sugar Dissolve in a Glass of Water전은 

1960년대와 1970년대의 작품에 중점을 두고 있으며 Martin Beck의 예술 작업에 중요하게 영향을 준 작품들로 구성하였다고 한다.

참고로 Martin Beck의 전시 Rumors and Murmurs는 미술관 2층에서 관람할 수 있다.

 

전시 기획의 측면에서 추상적이고 개념적이며 회화적인 접근 방식은 종종 놀라운 조합과 흥미로운 전시 구성을 보여준다.

Watching Sugar Dissolve in a Glass of Water라는 전시 제목은 물 한 컵에 녹는 설탕을 관찰하는 것으로 해석할 수 있는데 

이는 정확한 관찰과 총체적인 상태의 변화 과정을 의미한다고 한다.

 

다채로운 컬러가 사용된 Michael Bolus의 1964년작 Bowbend는 그가 주로 사용하는 알루미늄으로 작업한 작품이다.

Michael Bolus는 남아프리카공화국의 케이프타운에서 태어났지만 영국에서 정착하고 살며 Central Saint Martins대학교를 졸업하고 교수직을 맡기도 했다.

그는 초기에 돌을 이용해 조각을 했지만 전통 기술을 버리고 철과 알루미늄을 이용해 작업을 하며 재료에 대한 균형의 개념과 형식의 확장을 연구하였다.

알루미늄 시트를 잘라 추상적인 형태를 만들어 바닥이나 구석에 세워 놓는 등 다색의 조각품 시리즈를 전시하는 것으로 유명하다.

Bowbend는 그의 가장 대표적인 작품 중 하나로 꼽힌다.

Michael Bolus는 금이나 은같은 어려운 재료를 다루는 능력이 뛰어난 아티스트로도 알려져 있다.

 

Wolfgang Tillmans는 독일의 사진작가로 동시대의 생활과 일탈을 담아내고 과감하고 독특한 형식으로 작업하는 걸로 유명하다.

그는 탁월한 관찰가로 자신만의 시각으로 담아내는 정물 시리즈가 대표적인 작품 중 하나이다.

인위적으로 연출을 하거나 전혀 연출되지 않은 자연스러운 모습을 보여주기도 하고 특정 상황이나 오브제들을 발견된 모습 그대로 보여주기도 한다.

Studio Party라는 이 사진 작품은 2009년작으로 파티가 끝난 후의 어지럽혀진 상황을 그대로 보여주는 듯하다. 

 

아티스트인 Martin Beck이 큐레이팅한 영구 컬렉션 전시는 2층에서 진행중인 그의 전시 Rumors and Murmurs와 밀접하게 관련되어 있다.

두 전시디자인은 거의 동일하지만 각자의 특정 상황에서 서로 다른 요구를 충족시킨다.

Watching Sugar Dissolve in a Glass of Water는 벽과 공간 요소가 기능적인 측면으로 주로 사용되지만 

Rumors and Murmurs에서는 같은 요소들이 작품과 표현 구조 및 동선을 고려한 기획의 과정 사이의 경계를 충족시키는데 사용되었다고 한다.

 

브론즈로 제작된 이 미니멀한 작품은 Yoko Ono의 1968년작 Painting to Let the Evening Light Go Through이다.

Yoko Ono는 전위 예술가이자 음악가이며 John Lennon의 배우자로 널리 알려져 있다.

Yoko Ono는 인간의 고독과 고뇌로 인한 거대한 우주적인 고통을 다루는 내용을 탐구하며 개념 미술과 행위 예술 장르의 작업을 해왔다.

그녀는 뉴욕의 전위예술집단 Fluxus(플럭서스)의 일원으로 아티스트, 시인들과 함께 활동하기도 했다.

Yoko Ono는 행위 예술과 개념 미술로 현대 예술에 큰 영향력을 끼친 아티스트로 꼽힌다. 

 

 

Duane Hanson의 실물같은 작품 Football Vignette가 전시장 한가운데 설치되어 관람객들의 시선을 사로잡는다.

Duane Hanson은 미국의 대표적인 극사실주의와 포토리얼리즘 조각가로 활동 초기에는 사회적 논점을 다루었으나 

나중에는 일상적인 삶에 지친 평범한 인물들에 초점을 맞추어 작업하였다.

이 작품은 1969년 작품으로 실제 사람과 똑같은 인물상을 제작하는 방식을 시작했던 1960년대 후반의 대표적인 작품이다. 

유리 섬유로 형태를 만들어 머리카락 한 올 한 올 아주 세밀한 부분까지 자세히 표현하고 옷을 입혀 마무리하는 방식을 하고 있다 .

일상을 재확인시키는 Duane Hanson의 작품은 역동적이지만 감정이 배제되어 있어 오히려 충격적으로 느껴지기도 한다.

 

Richard Hamilton은 페인팅, 판화, 사진 등 다양한 장르의 작업을 했고 영국 팝아트의 진정한 창시자로 

1950년대에 관습적인 미술 전통을 넘어서며 팝아트 작품을 만들기 시작했다.

그는 팝아트의 대중적이지만 일시적이며 저렴하고 대량 생산이 가능한 점을 강조하였고 

젊은 감각을 가지고 있고 위트가 있으며 섹시하고 눈부시게 화려해 매우 매력적인 사업이라고 했다.

Richard Hamilton은 사진에 기초한 작업을 주로 했는데 1965년도 작품인 Landscape 역시 사진 위에 다양한 재료를 사용해 작업한 것이다.

하나의 공간이 시각적 구조로부터 어떻게 느껴지게 되는지 볼 수 있고 새로 인지되고 항상 변화하는 주변 환경에 대한 그의 예술적 성찰이 보인다.

Richard Hamilton은 1966년 Tate Galley에서 Marcel Duchamp(뒤샹)의 첫 회고전을 기획하였고

The Beatles(비틀즈)의 The White Album(1968)의 표지를 디자인 하고 The Rolling Stones(롤링스톤즈)의 리드싱어인 Mick Jagger(믹 재거)의 

판화 연작을 만들기도 하며 대중적인 명성도 함께 얻었다.

Richard Hamilton은 예술 작품, 산업디자인, 제품디자인, 다큐멘터리 제작 등 다양한 영역에서 활발한 활동을 이어나갔다.

20세기 후반 전 세계는 대중 문화의 급격한 발전으로 이미지 홍수 시대에 살고 있었다. 

그럼에도 불구하고 Richard Hamilton은 새로운 회화를 지속적으로 선보인 예술가임에 분명하다.

 

독일 출신 아티스트 Charlotte Posenenske는 1967년 그녀의 작품 활동의 중요한 전환점을 맞는다.

골판지를 사용해 환기 파이프 시스템을 연상시키는 형태의 작품을 만드는데 기본 구성 요소를 조합하여 여러가지 형태로 변형도 가능하다.

뿐만 아니라 아티스트의 지시가 없어도 누구든 조립이 가능한 형태로 제작되어 있다.

공간에 맞게 변형하여 조립해 설치할 수 있어 아티스트의 독창적인 자치권을 넘겨받은 셈이다.

이는 예술작품 제작에서 기술자나 숙련된 장인이 제작할 필요가 없음을 보여주는 좋은 예이기도 하다.

Charlotte Posenenske는 개인을 위해 개별적인 조각품을 만들고 싶지 않았다고 한다. 

그래서 그녀가 만든 시스템 내에서 결합과 변형이 가능한 요소들을 가지고 반복 가능하고 객관적인 것을 만들기 위해 시리즈로 작품을 제작한다고 말한다.

그리고 그것은 경제적이고 대량 생산을 위한 프로토 타입이 될 수 있다고 설명한다.

이렇게 Square Tube Series DW는 무한한 원형의 재현성으로 변화를 반복하여 계속 재구성하여 끊임없이 변화하는 구조를 만들어 내는 작품이다.

 

Ellsworth Kelly는 미국의 Hard Edge(기하학적 도형과 선명한 윤곽의 추상 회화) 화가이자 조각가이다.

미니멀리스트인 그는 단순한 형태와 제한된 색채를 통해 정확하고 비개성적인 추상 미술을 추구하였다.

전시되어 있는 Blue Curve(1964년작) 역시 그의 대표 작품 중 하나로 꼽을 수 있다.

거대한 색면 덩어리를 극단적으로 간결하게 표현하여 강렬하게 시각적 주목을 이끌어내는 화면 구성이 특징이다.

유럽의 표현주의, 신조형주의, 초현실주의 등에 영향을 받았고 색상들의 관계와 특성을 연구하기도 했다.

커다란 색면과 마치 면도칼로 자른 것같이 날카로운 형상은 그의 작품의 두드러진 특징이다.

특히 색채에 있어서 인간의 감수성과 색채에서 배어 나오는 신비감을 철저하게 배제했다.

그리고 Ellsworth Kelly가 다룬 선명한 색채와 명쾌한 윤곽선의 기하학적 형태는 오로지 강력한 시각적 효과만을 위해 존재할 뿐이다.

 

폴란드 출신의 작가 Andre Cadere는 개념 미술, 포스트 미니멀리즘, 추상 미술 아티스트이다.

그는 회화와 조각 사이의 경계에 도전하면서 수제로 제작한 Round Wooden Stick 시리즈로 유명하다.

Andre Cadere의 막대기는 갤러리 공간이 필요없는 어디에서나 누구나 볼 수 있는 작품이었다.

그는 그것들을 직접 가지고 야외로 나가 지하철, 상점, 공원 등을 돌아다녔다. 

그리고 초대받지도 않은 다른 아티스트들의 전시회 오프닝에 들고 가기도 하는 등의 행동으로 예술계에서 악명 높은 아티스트였다고 한다.

Andre Cadere의 그러한 행동으로 갤러리에 작품을 전시할 때보다 수백, 수천명의 사람들이 더 그의 작품을 볼 수 있었고 그것이 그가 바라던 것이라고 한다.

페인팅같은 작품처럼 앞, 뒷면이 없기 때문에 벽에 걸거나 조각처럼 바닥에 설치할 수도 없는 Andre Cadere의 막대기는 

그가 있는 곳이라면 어디에서나 볼 수 있었다고 한다.

그래서 Andre Cadere는 The Stick Man이라는 별명으로 불리기도 했다. 

 

MUMOK이 소장하고 있는 영구 컬렉션인 만큼 많은 대작들을 감상할 수 있는 좋은 기회인 것 같다.

세계적으로 현재까지 많은 예술가들과 일반인들에게까지 영향력을 끼치고 있는 거장들의 작품을 한꺼번에 보고 있으니 가슴이 벅차오른다.

 

본인은 미니멀리스트임을 부정했지만 미국의 대표적인 미니멀리즘 아티스트 Donald Judd의 작품 역시 전시되어 있다.

Donald Judd는 1950년대에 대학에서 철학과 미술사를 전공한 후 예술 평론가로 인정받기도 했다. 

그는 Specific Objects에 관한 이론을 책으로 내고 그것을 실제로 실현시키기 위해 작품 제작에 돌입한다.

회화의 한계성을 인지하고 회화와 조각의 특징을 모두 가지고 있지만 이 두 장르 중 어디에도 속하지 않는 

새로운 종류의 3차원적인 물체인 Specific Objects라고 칭하는 오브제를 제작했다.

Donald Judd는 기술자에게 의뢰하여 흔하지 않은 재료들(아연 도금, 알루미늄, 스테인레스 스틸, 황동 및 구리)을 이용해 오브제를 제작하고 

기하학적이며 단순한 물체들을 공간에 배치함으로써 3차원적 작품의 가능성을 계속 탐구했다.

금속 상자들을 일정한 간격으로 쌓아 나가는 방식으로 세로로 벽에 고정시키는 제작 방법은 그의 특징적인 양식이 되었다.

그는 감정이 없는 입체 작품을 만들기 위해 기계로 단일화된 모양의 오브제를 제작하고 기하학적인 형태를 반복적으로 구성하는 형식으로 작업하였다.

그리고 이 물체를 기반으로 기본 형태에서 여러가지 새로운 모양으로 변형된 작품을 선보이기도 했다.

Donald Judd는 종종 내용이 부족하다는 이유로 비난을 받기도 했지만 

예술의 본질에 의문을 제기하고 미니멀리즘 조각을 명상의 물체로 제시하며 꾸준히 그의 방식을 고수했다.

 

Jo Baer는 미국 출신 화가로 미니멀리즘 아트와 관련되어 있다.

그녀는 1970년대 중반 비서사적 방식으로 이미지, 심볼, 단어, 문구를 융합시켰고 이러한 표현 방식은 그 당시 급진적으로 여겨졌다.

캔버스의 중앙 부분을 완전히 비게 만들고 가장자리에 잘린 이미지를 표현했다.

이는 빛의 개념에 초점을 맞추고 착시 현상을 일으키도록 한 것이라고 한다.

Jo Baer는 예술가가 습관적으로 무시하거나 간과하게 되는 캔버스가 프레임으로 덮히는 가장자리 부분에 집중하였다.

 

화가이자 판화가인 Allan DArcangelo는 고속도로와 도로 표지판을 기반으로 한 팝한 이미지의 작품과 Hard Edge 경향의 추상화로 잘 알려져 있다.

또한 그는 초기 미국 팝 아티스트 중 한명으로 꼽힌다.

팝아트와 미니멀리즘, 정밀주의, Hard Edge 페인팅 그리고 초현실주의도 접목한 아티스트이다.

Allan DArcangelo는 항상 산업 이미지와 풍경의 매력적인 모습을 표현하고자 했다.
운전자의 관점에서 보면 그의 페인팅은 평면적인 컬러와 기하학적인 형태, 단순화된 이미지로 표현되어 있고 

일부분이 잘린 도로 표지판을 덧붙이고 모호하고 2차원적인 고속도로와 끝이 없는 구불구불한 풍경을 담고 있다.

Allan DArcangelo의 페인팅은 묘사보다는 상징성에 집중되어 있다.

추상적으로 해석될 수도 있지만 끝없는 공간 감각을 창출하고 캔버스의 공간을 평평함과 깊이 사이에서 여전히 풍경으로 간주된다.

Allan DArcangelo는 1970년대까지 예술계에서 상당한 인지도를 얻었다. 

그러나 1975년 그는 몇 년동안 소속되어 있던 갤러리인 Marlborough Gallery에서 Mark Rothko의 유산을 다루는 방식을 보고 갤러리를 나오기로 결정했다.

은퇴 후, 그는 가족들과 함께 Kenoza 호수 근처의 한 농장으로 이사를 했다.

하지만 그 후에도 페인팅과 대지 아트를 하는 등 작업 활동을 꾸준히 했다고 한다.

 

통속적인 스타일을 극히 세련된 방식을 이용해 풍경과 인물을 주로 그리는 영국의 대표 팝 아티스트 David Hockney의 Self-Portrait with Blue Guitar(1977년작).

동시대 컨템포러리 아티스트 중에서 가장 영향력있는 예술가 중 한명이기도 하다.

회화뿐만 아니라 사진, 판화 등의 작업도 함께 하는 작가로 유명하다.

David Hockney를 가장 유명하게 만든 작품들은 LA의 수영장과 아파트를 그린 페인팅, 가족이나 친구들의 초상화 등이 있다.

정지된 듯 고요한 장면은 관람객들로 하여금 등장인물들의 삶에 대해 호기심을 갖게 만들고 이야기를 만들어 가게 한다.

선명한 색채의 사용은 David Hockney의 페인팅에서 주요한 구성 요소가 된다.

강렬한 색면이 자아내는 활력과 장식적인 효과가 정말 눈을 즐겁게 만들어 준다.

David Hockney는 디지털 사진때문에 사진 예술이 곧 종말을 맞을 것이라고 단언하면서 

정작 그는 1970년대 말과 1980년대 초에 회화보다 오히려 사진 작업을 더 많이 했다.

1963년 말 미국 캘리포니아로 이주했던 David Hockney는 약 30년간의 미국 생활을 마치고 고향인 영국으로 돌아가 

고향의 자연 풍경으로 관심을 돌리게 되고 야외로 직접 나가 세밀한 묘사와 정밀한 색조로 작업을 하기 시작했다.

2017년 David Hockney의 80번째 생일 맞아 런던의 Tate Britain, LA의 Getty Center, 파리의 Pompidou Center, 뉴욕의 Metropolitan Museum 등 

세계 각지에서 그의 전시가 열리고 있다.

 

August Sander는 제 2차 세계 대전 전후로 독일의 사회상을 다양한 초상 사진들을 통해 일목요연하게 그려낸 독일의 사진 작가이다.

그는 사회주의 예술론의 영향을 받아 동시대인들을 사회적 부류별로 폭넓게 찍어 나가려는 계획을 세우고 

독일 민중 전체를 대상으로 한 인물 사진만을 평생 찍으며 그 사진들을 통해 거대한 사회 구조 속에 놓여 있는 인간상을 파악하려 했다.

August Sander는 카메라 앞에 서있는 인물을 사회라는 조직 속에서 저마다 맡고 있는 사회적 역할로 파악했기 때문에 

그의 사진에 등장하는 인물들은 그들의 이름 대신 농부, 변호사, 군인, 화가, 벽돌공 등 직업명이 사진 제목으로 되어 있다.

이 사진의 제목은 The Painter Anton Raderscheidt and Marta Hegemann(1924년작)이다.

1929년 Antlitz der Zeit(우리 시대의 얼굴)이라는 사진집을 출간했고 그 후 계속해서 사진집을 시리즈로 발간할 계획이었으나 

나치정권하에서 사상불온자로 지목되어 활동에 제약을 받았다.

August Sander는 2차 세계 대전이 끝난 후인 1951년부터 비로소 독일 사진계에서 인정받기 시작하여 

1958년에는 독일 사진협회의 명예회원이 되었고 1961년에는 문화상을 수상하는 영예를 안았다.

 

 

Hans Schabus의 Cafe Hansi는 MUMOK 건물의 가장 아래층인 지하 3층에 자리한 독립적이고 기능적인 공간 예술 작품이다.

매월 마지막 목요일 오후 6시부터 9시까지 방문객들에게 오픈된다. 아쉽게도 오픈시간을 맞추지 못해 내부에는 들어가지 못했다.

카페 내부로 들어서면 거울로 된 바와 작은 주방 그리고 화장실도 갖추고 있다고 한다.

Cafe Hansi의 주된 아이디어는 미술관 구석에 꾸며진 작은 공간인 카페 안의 오브제들로 인해 나오는 반응을 서로 관찰하게 만든 것이라고 한다.

MUMOK의 주변 공간과 Cafe Hansi의 대조적인 모습은 카페 그 자체의 외관과 내부의 대조를 반영하기도 한다.

카페의 외관은 단순한 목재로 구성되어 있어 심플하지만 부실해 보여 스타일리쉬하고 화려한 내부 인테리어와 아이러니하게 대조를 이루는 모습을 볼 수 있다.

내부와 외관의 극명한 차이로 완전히 다른 세계로 들어가는 것처럼 느낄 수 있다.

카페 내부의 거울은 공간을 더 크게 보이게 할 뿐만 아니라 방문자들이 그들 자신과 다른 사람들의 행동을 관찰할 수 있고 

이는 아트 이벤트의 일환으로 일상 생활의 반영이라고 볼 수도 있다.

카페의 웨이터가 의사 소통을 하는 방식은 예술가의 교묘한 지시이며 기하학적으로 축소된 형태의 컵 또한 재료와 형태의 사용에 있어 

예술적 충동의 사인이기도 하며 이는 의식적으로 정확하게 전통적인 형식에서 벗어나는 장르의 예술임을 보여준다.

 

 

카페 구조물 위 지붕 부분과 외벽은 Hans Schabus가 15년 넘게 모은 특별한 물건들로 아기자기하게 꾸며져 있다.

이 컬렉션에는 장난감, 음악 레코드, 진자 시계, 카나리아, 컵과 비커 그리고 의학용 석고 등이 있다. 

이 오브제들은 어떻게 된 영문인지는 모르겠지만 모두 Hans라는 이름을 가졌다는 공통점이 있고 이는 아티스트를 암호화 한 것과 같다.

 

지하 2층으로 내려가면 Hannah Black의 개인전 Small Room을 관람할 수 있다.

Hannah Black은 컨셉츄얼 비주얼 아티스트이자 작가이다. 

그녀는 공산주의, 페미니즘, 아프리카 비관주의 등 사회적이고 정치적인 무거운 주제에 관해 

비디오, 텍스트, 퍼포먼스, 드로잉, 팝 음악 등 여러 장르에 걸쳐 작업을 한다. 

Hannah Black의 이번 전시는 새 작업들로 살아있는 유기체의 가장 작은 단위인 개별 생물 세포 내 과정의 이미지와 

생물학적 세포인 유전학 정보의 전달자에 관한 비디오 인스톨레이션으로 이루어져 있다.

이 새 작품들은 추상적으로서의 삶, 조상과 혈통의 관한 질문을 시작으로 작업한 것이라고 한다.

그리고 그녀의 예술적 행위는 사회적, 세계적으로 발전이 어떻게 신체에 새겨지는지를 반영하기도 한다.

Hannah Black은 사회적 세력과 세계사, 개인사에 바탕을 둔 현실의 표현 사이의 공통 부분과 교착 상태에 관해 큰 관심을 두고 있다고 한다.

 

 

이 전시의 제목인 Small Room은 영어의 Cell과 독일어의 Zelle의 양면성을 암시한다.

그리고 생물학적인 의미와 유치장이라는 두가지 뜻을 가진 세포의 양가성에 관해 보여주는 것이기도 하다.

Hannah Black은 작품을 통해 우리에게 인생을 구성할 수 있는 것에 대해 생각해 보라고 장난스럽게 요구한다.

그녀의 새 작업에서 세포는 삶과 죽음 사이에 선을 그릴 때 생물학이 직면하는 어려움을 보여주기도 한다.

 

MUMOK의 2층에 Rumors and Murmurs라는 제목으로 Martin Beck의 전시가 진행중이다.

이 전시는 Martin Beck의 지난 10년간의 작품들과 이 전시를 위해 특별히 작업한 새 작품들로 구성되어 있다.

전시는 기억의 집합체 및 이미지에 관한 질문을 다룬 조각, 사진, 비디오, 드로잉, 인스톨레이션 등으로 구성되어 있다.

설치 및 전시 기획이 이번 전시의 핵심이기 때문에 Martin Beck은 전시의 형식과 레이아웃을 정하는데 적극적으로 참여했다.

 

Flowers는 Martin Beck의 최근 작품으로 노인 플로리스트가 만든 화려한 부케의 조립과 분해를 통해 

꽃꽂이의 여러가지 구성과 물리적 상태를 보여주는 사진들로 구성되어 있다.

빈 꽃병, 꽃다발, 줄기가 거의 없거나 꽃꽂이를 하는 손 등의 사진 시리즈를 볼 수 있다. 

선택하고 분해하고 다시 조립하는 등의 과정을 보여줌으로써 Martin Beck은 과정의 중요성을 전경으로 표현했다.

 

Martin Beck의 개념 미술 작품에서 관능과 감정은 중요한 역할을 한다. 

Last Night이라는 프로젝트에서는 1984년 뉴욕 Prince Street의 전설적인 댄스 클럽 The Loft의 마지막 밤에 대해 이야기한다.

Last Night은 집단적으로 발생한 정서적 기억과 그의 작업에서 중점적으로 보여지는 변화 과정을 연결시킨 작품이다.  

공동체가 중시되는 감정의 시대에서 한 때의 공간으로 남겨진 The Loft를 구조적인 부분과 열정에 관해 말하고 싶었다고 한다.

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